THE HELP

HISTORIAS CRUZADAS

Con una carga perfectamente ajustada, un tono amable y sabiendo llegar al espectador, esta película combina magníficamente el entretenimiento con una historia con importancia, dando liviandad al dramatismo de su narración pero sabiendo ser emotiva cuando tiene que serlo e incluso divertida en otros momentos. Además cuenta con un notable reparto y algunas grandes interpretaciones, destacando en especial la actriz Viola Davis, simplemente espectacular.

Sinopsis: Una aspirante a novelista en los años 60 decide escribir un libro con los testimonios de las empleadas de hogar de color de su pueblo natal sureño, las cuales llevan generaciones viviendo primero en esclavitud y posteriormente en la segregación racial de Estados Unidos.  Su día a día y su lugar dentro de una familia para la que trabajan todas sus vidas son fuente de grandes y emotivas historias pero también corren el peligro de represalias por parte de la comunidad blanca si su indiscreción sale a la luz.

El pequeño gesto de una mujer negra  negándose a ceder un asiento reservado a la gente blanca en un autobús  desencadenó la chispa que encendió todo el movimiento de derechos civiles en Estados Unidos y que dio con el fin de la segregación racial. Este acto de desobediencia civil por parte de Rosa Parks en 1955 fue sin duda el más significativo, siendo reconocida por el  Congreso de EE.UU. como “la primera dama de los derechos civiles”. Antes hubo otros en varios momentos  y posteriormente vendrían muchos más como las marchas multitudinarias o los grandes discursos de Martin Luther King., pero también algunos menores de los cuales la Historia com mayúsculas difícilmente se va a acordar. “Criadas y señoras” habla de estos últimos y de las vidas de una comunidad de los años 60 que vive según las normas del racismo hecho ley. El valor del filme es inmutable tanto si es una obra de ficción como si se basa en hechos reales ya que es un película humana, sensible y con corazón, en donde la veracidad de los detalles no quita certeza a la veracidad de una realidad.

La película, no obstante, no tiene un aire específicamente reivindicatorio ni confrontacional. Adaptando la novela escrita por Kathryn Stockett, el realizador Tate Taylor confecciona una narración con un tono amable y que quiere hacer sentir bien a la audiencia. No es un drama puro en ningún momento, siendo este un filme más humorístico que lacrimógeno.

“Criadas y señoras” es de esas películas que tiene perfectamente medido su componente histórico, su vivacidad en la narración y su carga humana, siendo este seguramente el equivalente de la temporada al “El discurso del rey”,  aparecida el año pasado. Dos películas tan fácilmente recomendables como entretenidas.

El amable sentimiento que provoca está conseguido sin embargo esquematizando varios aspectos. Los personajes a detestar son casi señalados con el dedo y a quienes hay que querer son igual y obviamente presentados. En este y otras facetas, no se ha corrido ningún riesgo narrativo, haciendo que el filme discurra con completa familiaridad.

Si la mayoría de personaje tienden a ser unidimensionales, uno destaca por encima de todos por la gran cantidad de matices que emana, aunque esta composición es más mérito de su actriz que de cualquier otra razón. Esta es una película dominada por Viola Davis en el papel de criada negra sureña, quien eclipsa a su compañera de reparto Octavia Spencer en un rol similar aunque más cómico y quien también lo borda, a una sorprendentemente sólida Bryce Dallas Howard y a la protagonista teórica del filme Emma Stone,  quien tiene al personaje con más chispa y vivacidad.

No sería sorprendente que Viola Davis y la película en sí fuesen nominadas a una montaña de Óscars en la próxima edición. Es ese tipo de películas que satisface a público e industria ya que cuenta con grandes actuaciones, un mensaje con significado amablemente transmitido y el corazón en el sitio correcto. Puede considerarse un entretenimiento mayor o menor, pero es imposible no pasar dos horas disfrutando de esta película.

Nota:

Octavia Spencer fue la ganadora como mejor actriz de reparto y el filme fue nominado a la mejor película dramática, Viola Davis a la mejor actriz dramática y Jessica Chastain como mejor actriz de reparto en los Globos de Oro de 2012.

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ACROSS THE UNIVERSE

“Across the universe” narra una historia de amor ambientada en el trasfondo de los años 60, en medio de los años turbulentos de las protestas contra la guerra, la exploración mental y el rock’n roll. La película se traslada desde los muelles de Liverpool hasta la psicodelia creativa de Greenwich Village, desde las calles rasgadas por las revueltas de Detroit hasta los campos de muerte de Vietnam. Los desventurados amantes, Jude y Lucy, junto con un pequeño grupo de amigos y músicos, son arrastrados hacia los movimientos emergentes contra la guerra y las tendencias contraculturales, con el Dr. Robert y Mr. Kite como sus guías..

 

Viaje alucinante

Un particular recorrido sentimental por una década tantas veces revisitada como los 60 siguiendo los pasos de los temas de los Beatles, alentado por los aires de nuevos tiempos y rupturas que planearon sobre la eclosión y evolución del cuarteto inglés, es lo que propone Julie Taymor en este viaje alucinante llamado “Across the universe”. La inspiración en imágenes de un larguísimo repertorio de canciones es la base a esta historia de unos jóvenes que, de Liverpool a Nueva York, se ven inmersos en los principales hechos cambiantes de la época.

 La directora Julie Taymor ha sido la responsable de dos irregulares largometrajes: Titus, la muy peculiar adaptación de Shakespeare, y Frida, biopic de la célebre pintora mexicana Frida Kahlo, obras de resultados objetables pero que, ante todo, dejaban la sensación de estar ante una autora de innegable sensibilidad visual, propiciada además por los terrenos en los que se movía, como eran la fastuosa Roma Imperial y la rica paleta cromática que rodea la vida de Frida Kahlo. Lo intuido en aquellos primeros trabajos se confirma en “Across the universe”, y Taymor, prestigiosa escenógrafa teatral, despliega en la pantalla una estimable capacidad para traducir en imágenes las canciones, con los recuerdos y lugares comunes más recurrentes de aquellos años como telón de fondo.

  De esta forma, la brillante factura visual es lo más destacado de una cinta que, sin embargo, adolece de un guión limitado a una historia que pronto se agota en sí misma y al repaso más bien superficial de algunos acontecimientos e ideas de la década —de los disturbios raciales a las protestas por la Guerra del Vietnam—. Al parecer los continuos enfrentamientos entre la producción y la realizadora, y la postura irreconciliable respecto al montaje final retrasaron su estreno más de un año. Finalmente, después de varios pases de prueba, llegó a las salas una versión más extendida tal y como quería Taymor, pero estos problemas suelen ser un mal augurio, como una vez más así se ha confirmado. Algunas secuencias adquieren una considerable fuerza, incluso varios momentos inspirados por las canciones se convierten en pequeñas piezas de arte —mención especial para la puesta en escena de “Strawberry fields forever”—, con una excelente fotografía del francés Bruno Delbonnel —responsable de Amelie y Largo domingo de noviazgo—, pero el conjunto parece no poder evitar caer en lo pretencioso, en la cursilería y en cierta autoconciencia de estar haciendo una obra única.

 

  El hecho de no dominar el sentido de las letras de los Beatles, o estar un tanto al margen de su extendido imaginario, no impide dejarse llevar por su identificación con los sinsabores de una década cargada de acontecimientos de la que somos directamente herederos. Sin duda más de una referencia puede escaparse, pero el sentido global que estas canciones han adquirido con el paso del tiempo en la conciencia colectiva encaja con los cambios, estados de ánimo y rebeldía que acompañan. Se pueden escuchar hasta 33 versiones, entre las que destaca la de un transformado Joe Cocker de “Come together”. Este proyecto pretende sumarse a la ya lejana estela del éxito de Moulin Rouge, adaptaciones de temas conocidos, fragmentación videoclipera y montaje mareante, pero se olvida que aquel film funcionó en buena medida por la química que desprendía la pareja Ewan McGregor y Nicole Kidman en su mejor momento y el encanto de su historia de amor. En esta ocasión, Evan Rachel Wood y Jim Sturgess cumplen con corrección pero sin excesivo carisma en el papel de unos jóvenes de distinta extracción social que conviven en el Greenwich Village de Nueva York y sus poco inspiradas complicaciones sentimentales.

Por tanto, el discutible resultado parece destinado a interesados en nuevas experiencias visuales, amantes de los Beatles —siempre y cuando sus acérrimos seguidores estén dispuestos a aceptar versiones más que curiosas, si bien es cierto que cada vez que suenan todo parece animarse, y ésta es su gran baza— y nostálgicos de la aureola que rodea aquellos años. La directora se esfuerza en destacar una y otra vez los efluvios psicodélicos en los que se ven envueltos sus personajes, y si por psicodelia entendemos la recién incorporada definición de la RAE —capaz de arrancar una sonrisa— como una tendencia surgida en los 60 caracterizada por «la excitación extrema de los sentidos, estimulados por drogas alucinógenas, música estridente, colores cambiantes», en el film se pueden encontrar estos y otros muchos tópicos asociados a aquella década.

  Experimentos como “Across the universe” llevan a preguntarse una vez más si el Musical como género está definitivamente desaparecido. Por supuesto que cada año llegan a la pantalla las correspondientes adaptaciones de éxitos de Broadway —algunos de los clásicos también lo eran—, dirigidas con frecuencia con eficacia, pero más allá de casos puntuales, los especialistas del género como tal, los nombres de realizadores o intérpretes identificables de inmediato con la magia del Musical, parecen haberse extinguido. El último de esos grandes nombres, Bob Fosse, firmó su testamento al respecto, la magnífica “Empieza el espectáculo”, hace más de dos décadas. Este inexplicable y aparente temor al Musical clásico se traduce en multitud de cintas, muchas exitosas, que simplemente yuxtaponen canciones conocidas en boca de sus interpretes, que se esfuerzan por cantar y ejecutar pasos de baile. ¿Quiénes serían los Gene Kelly o Stanley Donen de nuestra época? El genio irrepetible de Vincente Minnelli ha resultado precisamente eso, irrepetible.

 

COMETAS EN EL CIELO

La amistad entre dos niños Amir y Hassan  se ve desvastada en la cinta cometas en el cielo (The Kite Runner).  La cual narra  una bonita historia en medio de una cruenta realidad afgana, que a la fecha sigue  llamando la atencion de todo el mundo.

El afamado realizador Marc Fosrter (Stranger than ficion, Finding neverland monster’s Ball), le da vida ala pantalla al éxito de libreria de Khaled Hosseini.

Incluído  un reparto y personal globalmente diverso, mezclando  un grupo notable de no actores de Afganistan y Asia Central, con  un reparto consumado internacional, y con  localizaciones en el desierto occidental chino cerca de la frontera con Afganistan, se filmó  este drama  donde la amistad y los lazos familiares, aíi como los errores humanos y la división de un país son  los protagonistas principales.

La conmovedora pelicula muestra a los habitantes de una ciudad que se convierten, de la noche ala mañana, en indocumentados, que buscan salir de su propio hogar, en busca de una mejor vida,  tras la invasión rusa  y la aparición de  los talibanes.

Aunque  la cinta  inicia en  el año 2000 con un Amir casado y comodamente  instalado en Estados Unidos, la historia se remosnta hasta 1978, para contar el origen de su migración , mostrano la catástrofe  humana, a la que se enfrenata cada  uno de los involucrados que  buscan una segunda oprtunidad y tratando de buscar  un perdón a sus pecados cometidos.

Cometas en el cielo fue escrita por David Benioff (Troid Strady), basada en el libro de Khaled Hosseini, que desde su aparicion en el año de el 2003 a tenido  un rotundo éxito.

La película cuenta con las actuaciones de Khalid Abadias, Atossa Leoni, Shaun Toub, Sayed Hafar Masihullah, Zekeria Ebrahimi, Ahmad Khan Mahmidzada, Mir Mahmood, Shah Hashimi, Homayou Ershadi, entre otros, que dan vida a los pasajes más tenebrosos de nuestra historia.

Sin lugar a dudas una excelente opción para ver buen cine de otras culturas.

Después de ver esta bella película tengo que comentarles algo: Por ti lo haria mil veces, si quieres tomarle sentido a esta comprometida frase sólo tienes que animarte a ver Cometas en el cielo”. Unapelículade amor, culpa, comparación, perdón, honor , traición, amistad , lealtad y por últimoredención, enmarcado por las bellas montañas nevadas afganas y miles de papalotes de colores surcando el aire. (realmente toda una poesia).

Como hago referencia en la otra crítica que es en su forma más técnica e informativa, la película cuenta la historia de Amir y de Hassan, dos que llegaron al mundo en condiciones desiguales y que eso marca el destino de ambos. ¿Circunstancias? O cosas que pasan tan injusta y a la vez tan cotidianamente en la vida.

Película profundamente conmovedora que toca el corazón y la conciencia de los espectadores pues en su desenvolvimiento es tan humana, tan autobigráfica, retratando sentimientos humanos que te llevan a la indentificación.

“Cometas en el cielo”… del sueño a la ilusión infantil, de las azoteas repletas de niños volando cometas, al lado más oscuro del ser humano. No puedo seguir más, pues robaría el sentido descubrir por propia experiencia la emoción de los más profundos sentimentos que nos regala el estar vivos.

 

Chicharito muestra su lado más nacionalista

Nacido en la tierra del Tequila y el Mariachi, Javier Hernández dejó ver que lo mexicano no lo pierde aunque juegue en Inglaterra. De cara al incio de las eliminatorias rumbo al Mundial de Brasil 2014,  el delantero del Manchester United declaró:

“Los mexicanos queremos demostrale al mundo que somos capaces de muchas cosas”, dijo el ariete tapatío.

Hernández también se dijo muy  motivado por jugar su primera ronda clasificatoria de la Concacaf y en especial por enfrentar a El Salvador en su casa.

“Nos motiva. El Salvador es una gran selección, se vio en la Copa Oro que nos complicó muchísimo el primer tiempo y ellos van a estar en su casa, pero como siempre lo he mencionado hay que guardar el debido respeto ahorita a Guyana que es el primer rival”, declaró al ser cuestionado sobre si le preocupa ir a jugar al Estadio Cuscatlán ante el equipo de El Salvador.

200 años en el olvido

JanVermeer (1632-1675) Pintor Holandés

Una de las obras más famosa y enigmática es La Joven de la Perla, la cual se ha convertido en un icono de la cultura holandesa que se le denomina como ‘la Mona Lisa del Norte’ o ‘la Mona Lisa holandesa’.

Un pintor que en su época carecía  de fama y que actualmente es considerado uno de los mejores del siglo XVII por la  fuerza de la composición y el empleo de pocos colores, claros y brillantes en  sus obras.

  Jan Vermeer se casó en 1653 con  Caterina Bolnes, perteneciente a una acomodada familia católica, que le dio  once hijos. La necesidad de mantener a una familia tan numerosa le impidió  gozar de suficiente desahogo económico,  varias de sus obras se  perdieron porque en más de una ocasión tuvo que entregarlas para pagar sus  deudas a los tenderos. Jan Vermeer murió pobre en Delft, el 15 de diciembre de  1675, y su mujer tuvo que vender sus cuadros al ayuntamiento para sobrevivir y  mantener a sus ocho hijos todavía menores y solicitar ser declarada insolvente.

  Vermeer fue olvidado tras su  muerte y no se le redescubrió hasta el siglo XIX. A partir de entonces  se le considera uno de los más grandes  pintores holandeses.

La metódica y extraordinaria  técnica de Vermeer, hace totalmente diferente sus obras,  recrea como nadie el ambiente de un país  pequeño como es Holanda.  El manejo de la  luz que emplea tanto en interiores como exteriores  es de enorme sutileza y delicadeza, la pureza   y armonía del color hace de sus pocas  obras que se conocen algo único, el tenía la sensibilidad tal para captar con  ojo y, pincel en mano detalles como el encanto del cabello, la complicidad en  los ojos, el brillo de un pendiente, la seducción de unos labios, la melancolía  de una calle…

Aunque se cree que Vermeer nunca  se dedicó profesionalmente a la pintura, sino que administró el hostal heredado  de su padre y el negocio de marchante de arte legado igualmente por su  progenitor se conservan 35 lienzos, fruto del “amor al arte” que él tenía hacia  la pintura.

Vermeer tenía amor por los  detalles  mínimos  que elegía colores originales que armonizaban  perfectamente y que se ponen de manifiesto gracias a los blancos: el azul  zafiro, el amarillo limón, el bermellón, el ocre rojo.

Una de las obras más famosa y  enigmática es  la Joven de la Perla, la cual se ha convertido en un icono de la  cultura holandesa que se le denomina como ‘la  Mona Lisa del Norte’ o ‘la Mona Lisa  holandesa’.

El manejo de luz y contraste  cromático da gran belleza y realismo a la obra. En el fondo oscuro destaca la  figura de la joven como un fondo de luz y pintura, la íntima mirada fija de la  chica hacia el espectador, la perla, el blanco del cuello de la camisa, los labios  entreabiertos, hace esta obra exquisita.

Si quieren ver y transportarse a esta enigmática  historia del cuadro de ‘La joven de la perla’ les recomiendo la  película, adaptación de la novela de Tracy  Chevalier del mismo nombre y dirigida por Peter Webber, con una impresionante ambientación  y fotografía que recrean de manera admirable la luz, el color y la composición  de los cuadros del propio Jan Vermeer, protagonista de esta historia.

 

 

15 Minutos de Fama

Andrew Warhola

Nacido en Pittsburgh el 6 de agosto de 1928, conocido  como Andy Warhol, fue artista plástico y cineasta estadounidense, desempeñó un  papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.

  Inició sus estudios de arte en el  Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949, en este último año, ya  establecido en Nueva York, comenzó su carrera como ilustrador para diversas  revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.  Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del  entorno cotidiano, de la publicidad  o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó  progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la  obra a una repetición seriada de un  elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o  los medios de comunicación; su filosofía  era que el arte comercial es mucho mejor que el arte por el arte.

SU NIÑEZ

En su infancia, Andy sufrió el popularmente conocido Baile de San Vito, es decir, la corea de Sydenham. Esta enfermedad provoca una afección del sistema nervioso  que causa movimientos incontrolados de las extremidades y desórdenes en la  pigmentación de la piel. Desde entonces fue hipocondríaco y desarrolló pavor a  médicos y hospitales. Pasó buena parte  de su infancia postrado en una cama, desarrollando una fuerte unión hacia  su madre. Mientras estaba en la cama dibujaba, oía la radio y coleccionaba  imágenes de estrellas de cine que colocaba alrededor de su cama. Esta etapa  definió el desarrollo de su personalidad, sus habilidades y sus gustos.

Andy tenía una sensibilidad y capacidad  de plasmar de manera brillante,  el valor de la expresión  de un objeto, imagen o idea a estos elementos  los transformaba  a través de  tintas planas y juegos simples de textura  visual, el juego de imágenes en  monocromo, fotocopias cromáticas que aunque los colores parecían  estridentes, lograba la armonía y equilibrio de la imagen; la línea y los  contornos remarcados estilo comic fue otra de sus técnicas que dio a conocer su estilo.

FACTORY

 En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron  en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina, un  año después la Factory fue pintada  de plateado y cubierta con papel de aluminio por Billy Name (Billy Linich), un diseñador de luces de teatro a quien Warhol había conocido. La frivolidad y  la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una  línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino  y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por  definir un nuevo icono: el artista  mismo.

Warhol con su característico  estilo realizó obras como: Yum, yum, yum sobre la comida; Ho, Ho, Ho, tema  navideño y sus celebrados anuncios de zapatos Shoes, Shoes, Shoes. Su libro de dibujos más aclamados es quizás A Gold Book, que reúne numerosas y  delicadas ilustraciones de jóvenes. El título de esta obra se debe a una hoja dorada  que decora sus páginas.

Warhol produjo  varios retratos de celebridades, magnates, empresarios, políticos,  diseñadores entre los que destacan. Elvis  Presley , Elizabeth Taylor, Marilyn Monroe, Valentino, Lenin, Mao Tse Tung, Michael  Jackson, Miguel Bosé, entre otros.

Andy  Warhol recurrió a una  gran variedad de medios de expresión artística: pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura y cine, en 1963 tuvo  participación en el cine, algunas de entre sus películas se caracterizaban por su fuerte contenido sexual y erótico como:  Empire, Kiss y Chelsea girls, más tarde rodó en un formato más tradicional a  The love y Women in revolt. Produjo más  de sesenta películas.

ADIÓS

En 1987 a Warhol se le realizó una  cirugía de la vesícula en el Hospital New  York, aunque la salió bien de la operación, tuvo complicaciones durante su  recuperación que ocasionaron su muerte  el 22 de febrero. Warhol fue  siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la expresión de los sentimientos  y emociones (como sus pinturas: planas y básicas).

Warhol expresaba su ‘amor al  arte’ a su manera, sus obras resultaban ser provocadoras y desesperantes para algunos críticos pero para  muchos es admirado por la forma en que revoluciono e innovo la forma de ver las  cosas, crea un nuevo lenguaje artístico de lo cotidiano. Andy, es considerado como uno de los artistas más influyentes  del siglo XX debido a su revolucionaria  obra.